Ingmar Bergman, nacido el 14 de julio de 1918 en Uppsala (Suecia), que ocupa un lugar preferente en la lista de grandes directores de cualquier cinéfilo, falleció a sus 89 años dejando un legado indiscutible tras una carrera que empezó en la década de 1940 y llegó hasta el siglo XXI.

Dirigió más de 60 películas y documentales, una producción asombrosa desde cualquier punto de vista, que sigue siendo estudiada y admirada. Y es que, como él mismo confesó, «encontré en el cine un lenguaje que literalmente se habla de alma a alma en expresiones que, casi sensualmente, escapan al control restrictivo del intelecto».

Nacido de un estricto ministro luterano, su padre Erik fue un clérigo que más tarde se convirtió en capellán de la familia real sueca y creía en una disciplina estricta, que incluía azotar y encerrar a sus hijos en armarios. Su madre, Karin, era de mal humor e impredecible.

La educación de Bergman fue disciplinada, una experiencia que impregnaría su trabajo posterior. Descubrió la magia del cine a una edad temprana, cuando su hermano recibió un proyector como regalo de Navidad. El joven Bergman quedó enganchado y esta fascinación se convertiría en una pasión por contar historias que duraría toda su vida.

Bergman le confesó en 1983 a Michiko Kakutani, referente de la crítica literaria en la prensa estadounidense y galardonada con un Premio Pullitzer, que «he mantenido canales abiertos con mi infancia. A veces, por la noche, cuando estoy en el límite entre dormir y estar despierto, puedo cruzar una puerta hacia mi infancia y todo es como era: luces, olores, sonidos y personas... Recuerdo la calle silenciosa. donde vivía mi abuela, la repentina agresividad del mundo adulto, el terror a lo desconocido y el miedo a la tensión entre mi padre y mi madre».

Ampliamente considerado como uno de los más grandes directores de la historia del cine, durante gran parte de la segunda mitad del siglo XX estuvo junto a directores como Federico Fellini o Akira Kurosawa en la cima del cine serio. Pasó de la comedia cómica de amantes en 'Sonrisas de una noche de verano' en 1955 a la atormentada búsqueda de Dios en 'El séptimo sello' en 1957, con su escena icónica de un caballero jugando al ajedrez con la Muerte, empleando narrativas complejas y técnicas innovadoras; desde la desgarradora descripción de una enfermedad mortal en 'Gritos y susurros' de 1972 hasta la representación alternativamente humorística y horrorosa de la vida familiar una década después en 'Fanny y Alexander', que se proyectó en todo el mundo en dos versiones de 312 y 197 minutos y ganó cuatro premios Oscar, incluido el Premio de la Academia a la mejor película extranjera en 1984.

Desafiar las normas

Algunos críticos fueron despiadados con sus películas al calificarlas de oscuras, pretenciosas y sin sentido. Pero cada vez que cometía un fracaso, Bergman lograba recuperar rápidamente a los críticos y al público con películas como 'Persona', en la que las personalidades de dos mujeres se desmoronan y se fusionan, un drama psicológico que desafió las normas del cine narrativo y sigue siendo objeto de análisis, interpretaciones y debates. 'Fresas salvajes' (1957) fue otra de sus grandes éxitos que asombró a la gente por su disposición a reconocer la crueldad, la muerte y, sobre todo, el tormento de la duda.

Bergman también fue un prolífico director de teatro y, de 1963 a 1966, director del Teatro Real Dramático de Estocolmo. Las dos corrientes de su carrera estaban crucialmente interrelacionadas. También trabajó para televisión, 'After the Rehearsal' (1983), 'The Blessed One' (1985) y 'Karin's Face' (1986), un cortometraje sobre su madre. Y había obras de sus novelas y guiones, además de su autobiografía, 'The Magic Lantern' (1988), y la intrigante 'Images: My Life in Film'.

Para el director de cine francés Bernard Tavernier, «fue el primero en llevar la metafísica (religión, muerte, existencialismo) a la pantalla, pero lo mejor de Bergman es la forma en que habla de las mujeres, de la relación entre hombres y mujeres. Es como un minero que excava en busca de pureza».

Influyó en muchos otros cineastas, incluido Woody Allen, quien una vez llamó a Bergman «probablemente el mejor artista cinematográfico, considerando todo, desde la invención de la cámara cinematográfica».

Michiko Kakutani escribió que en las películas de Bergman «este mundo es un lugar donde la fe es tenue; la comunicación, esquiva; y el autoconocimiento, ilusorio en el mejor de los casos. Dios es silencioso o malévolo; hombres y mujeres son criaturas y prisioneros de sus deseos».

El historiador de cine británico David Thomson, acertadamente, dijo que «Bergman nunca se propuso ser menos que exigente». Así es, como artista trabajó a través de esa seriedad y presentó muchas obras de sutileza y profundidad en su presentación de la condición humana. Como hombre, había llevado a menudo una existencia problemática, y el propio Bergman una vez declaró que su vida fue «un fiasco».

De lo que no hay duda es que su carrera cinematográfica fue brutal en términos de calidad, volumen e integridad.